마네는 16세기 이탈리아의 동판화가 마르칸토니오 라이몬디의 작품 <파리의 심판, 1515>을 차용하여, 파리 근교의 숲 속에 벌거벗은 여인과 검은 턱시도를 갖추어 입은 남자들로 대체해 놓은 것으로 알려지고 있다. 게다가 신비로움으로 가득 찼던 앵그르의 나부와는 아주 거리가 멀게 느껴지는 육덕진 여인의, 관람객을 빤히 쳐다보는 당돌한 눈빛을 통해 이 풍경을 도저히 용납할 수 없는 퇴폐성으로 물들여 놓았다.

당시에는 각 인물들의 시선 방향이 주제를 설정하는 중요한 키워드였음에도, 마네는 이를 의도적으로 어긋나게 설정함으로써 주제로서의 어떤 의미도 구성할 의도가 없음을 분명히 하는가 하면, 발색의 효과를 위해 여러 번의 덧칠과정을 거쳤던 거장들의 색채와 기법들을 비웃듯, 설익고 가벼운 필치로 공간의 깊이감을 박탈해 버렸다.
때문에 이 그림은 르네상스 이후 캔버스 속으로 깊이를 더해가던 3차원적 공간감을 납작하고 편평하게 만들었으며, 혼색과 덧칠을 줄여 다른 그림들보다 한층 밝게 보임으로써 고상함과는 거리가 멀게 느껴지고 있었다.(밀레의 ‘만종’과 비교해보라.)

당시로선 <풀밭 위의 점심>이 포르노그라피 수준의 것으로 받아들여졌을 것으로 생각된다. 따라서 이 그림에 많은 비난이 쏟아졌지만, 마네는 명백한 도발을 위해 이 모든 것을 고의적으로 연출했다. 마네는 대담하게도, 권위에 차 있던 아카데미즘 미술의 허구적인 엄숙함을 조롱하고, 미술을 그 어떤 이념으로부터도 자유롭게 해방시켜야 한다는 소신을 과감하게 피력하고 있었다.
사실 당시의 기성미술은 이미 주제의 진정성과 거리가 먼 형식의 반복적 아카데미즘에 빠져들고 있었으며, 그에 따라 주류미술은 젊은 예술가들로부터 배척을 당하고 있었다. 마네의 <풀밭 위의 점심>은 바로 이런 시점에서 출현한 그림이었고 당시 젊은 예술가들의 불만을 그대로 담고 있었으므로, 세간의 비난과는 달리 젊은 예술가들의 용기 있는 대변자로 부각되었다. 

당시 평론가들 사이에 상상력이 부족한 화가로 평가(다른 작품의 모티브를 자주 차용한 탓에)되던 마네는 통렬한 비판정신 때문에 젊은 예술가들의 열광적인 지지를 받았으며, 역사는 이 작품을 최초의 모더니스트적 혁신을 보여준 기념비적 걸작으로 평가한다.
그리고 마네 이후 이러한 아이러니가 새로운 미술의 전통으로 자리를 잡음으로써, 비난과 냉소, 발상과 가치의 전복, 새로움의 충격들이 미술의 역사를 이끌며 드라마보다 더 드라마틱한 미술의 역사를 장식하게 된다.